LONDRES — El artista David Hockney, cuyas pinturas de piscinas brillando bajo el sol de Los Ángeles se convirtieron en íconos del arte del siglo XX, murió el jueves, dijo su publicista. Tenía 88 años.
Hockney nació en el norte de Inglaterra, pero vivió gran parte de su vida en el sur de California, haciendo de sus vistas suburbanas bañadas por el sol un motivo importante.
Más adelante en su vida regresó a Europa, encontrando una inspiración renovada en las colinas boscosas de su condado natal de Yorkshire y los campos y árboles de la región francesa de Normandía. Se convirtió en uno de los artistas más preciados del Reino Unido y sus obras se vendieron a precios récord en subastas.
El historiador Simon Schama dijo que «la popularidad y durabilidad del arte de David Hockney, a través de todos sus cambios de forma y sus incansables experimentos inventivos, no son realmente ningún misterio».
“Su trabajo es admirado (amado no es una palabra demasiado fuerte) por los millones que, en todo el mundo, acuden en masa para verlo porque presupone una expectativa de placer”, escribió Schama en un ensayo que acompaña a una exposición de Hockney de 2025 en París.
La publicista de Hockney, Erica Bolton, dice que murió pocas semanas antes de cumplir 89 años.
Con sus característicos anteojos redondos y cabello rubio decolorado, Hockney era una figura muy conocida en las vibrantes escenas artísticas británicas y estadounidenses de la década de 1960, incluso antes de cumplir 30 años. Sus pinturas eran igualmente distintivas, muchas de ellas creaban un mundo onírico de luz estampada que rebotaba en el agua y las ventanas, y formas humanas representadas en formas aplanadas y simplificadas en pintura acrílica mate.
«Estoy emocionado todos los días», dijo a Los Angeles Times en 1979. «Londres tiene muchas partes tristes, pero nunca encuentro nada triste en Los Ángeles».
Hockney nació el 9 de julio de 1937 en Bradford, una gran ciudad industrial cuya principal exportación eran los textiles de lana. Pasó allí sus dos primeras décadas antes de ir al Royal College of Art de Londres. Causó un impacto incluso antes de graduarse, y el marchante de arte John Kasmin lo acogió en su grupo de artistas en 1961.
Sus influencias artísticas variaron ampliamente, desde los retratistas del Renacimiento hasta el paisajista inglés del siglo XIX JMW Turner, los experimentos de Pablo Picasso en el cubismo y el arte pop estadounidense del siglo XX.
Al visitar los Estados Unidos en 1963-64, Hockney llamó la atención con su actualización sobre “A Rake’s Progress”, una serie de pinturas del artista del siglo XVIII William Hogarth que cuenta la historia de las escapadas y la eventual caída de un canalla rico. El New York Times dijo en 1964 que Hockney “actualiza a Hogarth con fuerza y proporciona un buen ejemplo de cómo a los artistas más jóvenes les gusta combinar texto e imagen en beneficio de ambos”.
Compartió con otros artistas pop el interés por la pulida superficie de la vida moderna. Y, al igual que Andy Warhol con sus cajas Brillo y latas de sopa Campbell, Hockney ocasionalmente incorporó etiquetas publicitarias, como una caja de té británica Typhoo utilizada en su “Pintura de té en un estilo ilusionista” de 1961.
Le dijo a The New York Times en 1964 que disfrutaba de la floreciente escena del arte pop en Nueva York, pero que no estaba seguro de ser parte de ella.
«Soy sólo un artista común y corriente», dijo. «Admiro el pop estadounidense; de hecho, parece que todo lo que parece fresco y vital en Inglaterra estos días proviene de Estados Unidos». Sin embargo, todavía se consideraba «en gran medida un artista en la tradición inglesa», dijo en 1995.
Incluso su traslado a California tenía un precedente histórico, señaló, ya que generaciones anteriores de artistas ingleses habían buscado la brillante luz de Italia.
Como hombre abiertamente gay, Hockney exploró temas eróticos, dando a los cuerpos masculinos jóvenes el mismo tierno escrutinio que los artistas habían estado dando al desnudo femenino durante siglos. Amigos y amantes con frecuencia se hacían pasar por modelos, y algunas imágenes se basaban en fotografías de revistas de culturismo masculino.
Sus primeras obras, como «We Two Boys Together Clinging» y «Two Men in a Shower», celebraban las relaciones homosexuales cuando la homosexualidad todavía era ilegal en Gran Bretaña.
Al principio de su carrera, dos de sus dibujos fueron comprados para el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
«En el momento en que vendí cuadros por primera vez para ganarme la vida, me sentí rico. He sido rico desde entonces», dijo a The Associated Press en 1995. «No tenía mucho dinero pero hice lo que quería… Eres un hombre rico si haces las cosas que quieres hacer».
Esa libertad le trajo a Hockney aclamación y riqueza, y sus obras alcanzaron sumas récord. En 2018, su pintura de 1972 “Retrato de un artista (piscina con dos figuras)” se vendió en una subasta de Christie’s por 90,3 millones de dólares, en ese momento un récord para un artista vivo. En febrero de 2020, otra pintura de piscina, “The Splash”, de 1966, se vendió en Sotheby’s por 23,1 millones de libras (30 millones de dólares).
Si bien las pinturas de piscinas eran una marca registrada de Hockney, también pintó literalmente una piscina cuando decoró el fondo de la piscina en el histórico Hotel Hollywood Roosevelt en Los Ángeles.
Si bien muchas de sus pinturas más conocidas tenían escenas americanas, también abordó temas británicos. Inmortalizó a sus padres en varios retratos. “El señor y la señora Clark y Percy”, un retrato dual de 1971 de dos de sus amigos ingleses y su gato, ocupó el puesto número 5 en una encuesta en línea de 2005 de la BBC Radio-National Gallery (Londres) sobre las mejores pinturas de Gran Bretaña. Fue la única obra de un pintor vivo entre los 10 primeros.
Como muchos artistas tradicionales, consideraba el dibujo una habilidad fundamental y lamentaba que no se enseñara con el rigor que solía ser.
«Los seres humanos son las cosas más interesantes que vemos, por eso son los más difíciles de dibujar», dijo en una entrevista con la AP en 1996, añadiendo que los mejores dibujos se hacen cuando hay empatía entre el artista y el sujeto.
Pero no se limitó a dibujar y pintar. Contribuyó con diseños de vestuario y escenografía para teatro y ópera, incluida una célebre producción de “Tristán e Isolda”, presentada por primera vez en 1987 en la Ópera de Los Ángeles.
Hockney, siempre un innovador, abrazó el dibujo, la pintura, el grabado, el collage de fotografías y el vídeo en una carrera de siete décadas.
Cuando se dedicó a la fotografía, fusionó géneros, reuniendo fotografías individuales en elaborados collages como “Pearblossom Highway, 11-18 de abril de 1986”, creado a partir de vistas individuales de una intersección de carreteras en el desierto.
«Mis amigos fotógrafos dijeron que era una pintura», dijo Hockney a la AP en 2001. «Dije que era una fotografía; usé una cámara».
La información que obtuvo de su trabajo fotográfico lo llevó a investigar y escribir un libro en 2001, «Conocimiento secreto: redescubriendo las técnicas perdidas de los viejos maestros». Sostuvo que a lo largo de los siglos, los artistas utilizaron lentes y otros dispositivos ópticos para ayudarse a dibujar con mucha más frecuencia de lo que creen la mayoría de los historiadores.
Posteriormente empezó a dibujar en iPads, que se convirtieron en su herramienta favorita.
A principios de la década de 2000, miró de nuevo los campos y bosques de Yorkshire en una serie de pinturas de paisajes exuberantes que combinaban colores llamativos con una minuciosa atención a la textura de la nieve en una ladera o una flor en un seto de espino. Aparecieron en una exposición de 2017 en la Tate Britain de Londres que fue visitada por medio millón de personas y se trasladó al Centro Pompidou de París y al Museo Metropolitano de Nueva York.
Hockney se inspiró en el paisaje inglés en su diseño de una vidriera en la Abadía de Westminster para celebrar el largo reinado de la reina Isabel II. Terminada en 2018, Queen’s Window representa un paisaje de espinos en flor en tonos de azul, verde, amarillo, naranja, rosa y rojo.
En ese momento, Hockney era ampliamente considerado el artista vivo más grande de Gran Bretaña y un tesoro nacional. En 1997, la reina lo nombró Compañero de Honor, un premio limitado a 65 personas “de distinción”.
En 2019, se mudó a Normandía, Francia, donde, durante el confinamiento por el coronavirus de 2020, produjo alegres dibujos de la primavera en iPad para sus amigos. Su mensaje – “Recuerden que no pueden cancelar la primavera” – fue estampado con luces de neón en la Fundación Louis Vuitton en París cuando albergó una enorme exposición de Hockney que se inauguró en abril de 2025.
La muestra abarcó desde el primer cuadro que vendió, un retrato de su padre de 1955, pasando por piscinas de Los Ángeles hasta bosques de Yorkshire, retratos de amigos, escenografías para ópera y docenas de imágenes de la exuberante llegada de la primavera a Normandía.
El curador de arte Norman Rosenthal, que ayudó a montar la exposición de París, llamó a Hockney «el Picasso de nuestros tiempos».
«Cuando digo eso, la gente se ríe de mí, ya que Picasso fue el artista arquetípico del siglo XX», dijo Rosenthal al periódico Independent. «Pero David Hockney también es un artista increíblemente popular cuyo trabajo cambia nuestra forma de ver las cosas».
Hockney, un fumador impenitente que arremetió contra las normas antitabaco del gobierno, se quejó cuando un cartel de la exposición 2025 fue prohibido en el metro de París porque lo mostraba sosteniendo un cigarrillo.
Hockney sufrió un derrame cerebral menor en 2012 y se volvió cada vez más sordo en los años posteriores, algo que, según dijo, había mejorado su percepción visual.
“Si pierdes un sentido, ganas otros sentidos y siento que puedo ver el espacio con mayor claridad”, dijo a la AP en 2017.
Nunca dejó de trabajar.
«Es mi trabajo lo que me mantiene joven», dijo Hockney al periódico Sun en 2017. «He sido pintor profesional durante 60 años. Sesenta años de levantarme todos los días y hacer exactamente lo que quiero hacer».
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